Introducción a Johann Sebastian Bach – Parte 3: Armonía
Podemos imaginar que escribir en contrapunto es sumamente complejo, ya que es necesario combinar varias voces de tal forma que surja algo coherente.
Por ello, habrá una división del trabajo entre las voces, para ganar claridad en la orientación de la escritura musical (existe el tenor aún conocido por este término, el dechant que se convierte en el cantus que en sí mismo. Mismo dará la soprano , el altus que dará la viola, el bajo o bassus que dará el bajo).
También existirá, si no principalmente debido a la apreciación humana de lo que refleja, de lo que se refleja , el fenómeno de que las voces secundarias se han apoyado en gran medida en el principio de imitación.
Es decir, ha habido una tendencia a que las voces secundarias capten la melodía de la voz principal. Esta imitación puede ser conforme, invertida, modificada aumentando o disminuyendo la velocidad, etc. En este terreno se ha intentado todo, hasta las combinaciones más complicadas, proporcionando además un placer más intelectual al oyente (necesariamente él mismo músico) que musical como sensación en sentido estricto.
No es todo. Tan pronto como haya una mayor experiencia musical, un mayor material, una profundización del gusto, inevitablemente habrá una mejora en la comprensión de la naturaleza de los nuevos sonidos producidos por los acordes entre las notas.
Este conocimiento de los sonidos en su multiplicidad por su encuentro y las elecciones que deben hacerse para que «suene» bien se llama armonía.
La armonía, por tanto, no aparece como un presupuesto, como una teoría del origen divino que se presenta como un ideal (este es el caso del matemático Pitágoras que desarrolló una teoría «cuantificada» de los sonidos musicales «armoniosos»).
En la introducción a su Tratado completo sobre contrapunto , Ernest Friedrich Richter da la siguiente definición de contrapunto:
«Marcha melódica, independiente de una parte, en relación con una o más partes igualmente independientes y melódicas, y que según las leyes de progresión armónica o secuencias de acordes».
Esto es lo que también especifica:
“En la época en que se hicieron los primeros intentos de escritura musical, se usaban puntos para representar sonidos, de modo que una serie de sonidos formaban una serie de puntos contra puntos (puncti contra punctum).
El Contrapunto muerto es, por tanto, una abreviatura, una contracción, ya que las dos palabras de las que se forma sugieren naturalmente la existencia de otro punto (…).
Esta palabra Contrapunto debe, ante todo, despertar en nosotros la idea de una simultaneidad de sonidos producida por una serie de notas que forman una melodía opuesta a la serie de notas de otra melodía colocada más arriba o más abajo. «
Sólo entonces, en el momento en que surge el contrapunto así expresado, estamos en la Edad Media y entonces se trata sólo de un simple encuentro de dos melodías. De fondo todavía se expresa el desconocimiento del acorde, es decir del desarrollo cualitativo de la melodía, de una sola voz.
Es decir que en el origen, el contrapunto buscaba en el encuentro de los sonidos en el tiempo, mediante los intervalos, una cierta armonía cuantitativa que debía venir en realidad de su encuentro cualitativo en el espacio: buscábamos los lugares adecuados. para que las voces se engancharan, pero al hacerlo nos quedamos con un añadido, solo apoyamos la melodía, no la transformamos.
Se trató, por tanto, de una investigación por adición, desde una perspectiva cuantitativa, en lugar de trabajar sobre la calidad de los sonidos producidos en conjunto. Aquí es donde entran el luteranismo y Johann Sebastian Bach.
Así es como el mismo autor presenta luego el significado de la intervención histórica de Johann Sebastian Bach.
“Con el siglo XVIII, el movimiento musical se concentra por completo en Alemania, donde vivió el más grande de los maestros contrapuestos: Jean-Sébastien Bach.
Lo que todos sus predecesores no habían logrado, a pesar de sus esfuerzos, lograr crear, fue posible para él y para él, a saber, un estilo homogéneo, la más completa y absoluta independencia melódica de las voces, teniendo como base natural la más rica progresión armónica. «
Introducción a Johann Sebastian Bach – Parte 3: Armonía
Podemos imaginar que escribir en contrapunto es sumamente complejo, ya que es necesario combinar varias voces de tal forma que surja algo coherente.
Por ello, habrá una división del trabajo entre las voces, para ganar claridad en la orientación de la escritura musical (existe el tenor aún conocido por este término, el dechant que se convierte en el cantus que en sí mismo. Mismo dará la soprano , el altus que dará la viola, el bajo o bassus que dará el bajo).
También existirá, si no principalmente debido a la apreciación humana de lo que refleja, de lo que se refleja , el fenómeno de que las voces secundarias se han apoyado en gran medida en el principio de imitación.
Es decir, ha habido una tendencia a que las voces secundarias capten la melodía de la voz principal. Esta imitación puede ser conforme, invertida, modificada aumentando o disminuyendo la velocidad, etc. En este terreno se ha intentado todo, hasta las combinaciones más complicadas, proporcionando además un placer más intelectual al oyente (necesariamente él mismo músico) que musical como sensación en sentido estricto.
No es todo. Tan pronto como haya una mayor experiencia musical, un mayor material, una profundización del gusto, inevitablemente habrá una mejora en la comprensión de la naturaleza de los nuevos sonidos producidos por los acordes entre las notas.
Este conocimiento de los sonidos en su multiplicidad por su encuentro y las elecciones que deben hacerse para que «suene» bien se llama armonía.
La armonía, por tanto, no aparece como un presupuesto, como una teoría del origen divino que se presenta como un ideal (este es el caso del matemático Pitágoras que desarrolló una teoría «cuantificada» de los sonidos musicales «armoniosos»).
En la introducción a su Tratado completo sobre contrapunto , Ernest Friedrich Richter da la siguiente definición de contrapunto:
«Marcha melódica, independiente de una parte, en relación con una o más partes igualmente independientes y melódicas, y que según las leyes de progresión armónica o secuencias de acordes».
Esto es lo que también especifica:
“En la época en que se hicieron los primeros intentos de escritura musical, se usaban puntos para representar sonidos, de modo que una serie de sonidos formaban una serie de puntos contra puntos (puncti contra punctum).
El Contrapunto muerto es, por tanto, una abreviatura, una contracción, ya que las dos palabras de las que se forma sugieren naturalmente la existencia de otro punto (…).
Esta palabra Contrapunto debe, ante todo, despertar en nosotros la idea de una simultaneidad de sonidos producida por una serie de notas que forman una melodía opuesta a la serie de notas de otra melodía colocada más arriba o más abajo. «
Sólo entonces, en el momento en que surge el contrapunto así expresado, estamos en la Edad Media y entonces se trata sólo de un simple encuentro de dos melodías. De fondo todavía se expresa el desconocimiento del acorde, es decir del desarrollo cualitativo de la melodía, de una sola voz.
Es decir que en el origen, el contrapunto buscaba en el encuentro de los sonidos en el tiempo, mediante los intervalos, una cierta armonía cuantitativa que debía venir en realidad de su encuentro cualitativo en el espacio: buscábamos los lugares adecuados. para que las voces se engancharan, pero al hacerlo nos quedamos con un añadido, solo apoyamos la melodía, no la transformamos.
Se trató, por tanto, de una investigación por adición, desde una perspectiva cuantitativa, en lugar de trabajar sobre la calidad de los sonidos producidos en conjunto. Aquí es donde entran el luteranismo y Johann Sebastian Bach.
Así es como el mismo autor presenta luego el significado de la intervención histórica de Johann Sebastian Bach.
“Con el siglo XVIII, el movimiento musical se concentra por completo en Alemania, donde vivió el más grande de los maestros contrapuestos: Jean-Sébastien Bach.
Lo que todos sus predecesores no habían logrado, a pesar de sus esfuerzos, lograr crear, fue posible para él y para él, a saber, un estilo homogéneo, la más completa y absoluta independencia melódica de las voces, teniendo como base natural la más rica progresión armónica»
VIVELEMAOISME
