Informe a la Reunión Conjunta de Facultad, Estudiantes y Empleados de la Academia de las Artes, 17 de febrero de 1936
Camaradas !
Sabes que no me gusta ni sé hablar mucho, pero hoy permíteme ser más prolijo que de costumbre. Hoy, mientras resumimos los resultados y esbozamos las direcciones futuras de nuestro trabajo, permítanme mirar hacia atrás en el camino que hemos recorrido para evaluar adecuadamente los éxitos de nuestro crecimiento y reflexionar detenidamente sobre los nuevos desafíos que enfrentamos.
Retrato del pintor Isaac Brodsky por Ilya Repin (1910)
El camino por el que avanzamos fue difícil para todos nosotros, creando la más alta escuela del arte soviético. Pero los éxitos que hemos logrado muestran de manera convincente que este camino fue el correcto.
La restauración de la Academia de las Artes fue otro gran hecho, que atestigua el florecimiento cultural y económico de la Unión Soviética.
La histórica resolución del Comité Central del Partido Comunista Bolchevique del 23 de abril de 1932, que abrió enormes perspectivas para el arte soviético, marcó al mismo tiempo un punto de inflexión decisivo en la formación de nuevo personal artístico.
Nuestro Partido ha elevado los problemas escolares a un nivel nunca antes visto. En esta área, el Partido ha logrado un gran éxito. Logró transformar la escuela en una poderosa herramienta de educación comunista.
Estas victorias están aseguradas por el hecho de que en la organización de la escuela, en la creación de libros de texto, en cuestiones de métodos de enseñanza, en el desarrollo de la literatura infantil, etc., el camarada STALIN participa directamente en la resolución de problemas.
El liderazgo personal del gran gobernante también afectó el campo de la educación artística, así como el desarrollo de todas las artes. Si miramos cómo era nuestra escuela de arte recientemente y la comparamos con lo que es hoy, nos damos cuenta de que se ha hecho un trabajo colosal.
La Academia pasó por un largo y doloroso período de investigación formalista, todo tipo de “experimentos” izquierdistas, vacilaciones y confusión en las bellas artes soviéticas, los primeros años de la revolución.
Mucha gente probablemente recuerda la baratija que reinaba en el frío, sucio e increíblemente descuidado edificio de la Academia hasta hace poco.
La escuela era un escenario de escaramuzas grupales: los métodos de enseñanza cambiaban uno tras otro, pero poco en comparación con eso. No había nada esencial, no había ningún estudio metódico serio.
Los artistas han aprendido a pintar algo más que cuadros. Los graduados de la academia sabían bien lo que era una «forma de color» o una «composición per se», pero estaban indefensos cuando se trataba de dibujar una cabeza. No dominaban las habilidades más básicas de su oficio.
A pesar de que los programas declarativos de los Talleres Libres y del Instituto Superior de Arte y Tecnología eran muy revolucionarios y de actualidad en las palabras, todos estaban fuera de la vida. Por eso se derrumbaron tan rápidamente bajo la presión de las exigencias planteadas por la realidad soviética en el curso de su desarrollo revolucionario.
No diré mucho sobre el hecho de que no sólo los planes de estudios, sino la misma selección de los responsables de estas escuelas correspondían muy poco a las tareas que enfrentaban, ya que en su mayoría eran personas que tenían muy poco que ver con el verdadero arte.
La triste experiencia de los Ateliers supérieur d’art et detechnic y del Institut supérieur d’art et detechnic fue heredada por quienes estaban llamados a revivir la Academia, a devolverle el significado de INSTITUCIÓN ARTÍSTICA TOP en el país. .
No se trataba de restaurar la vieja Academia en ruinas, solo renovarla ligeramente y volver a pintar el letrero. No, se tuvo que construir una nueva Academia Soviética, sobre una base política completamente diferente.
Tal Academia, que, habiendo absorbido las mejores tradiciones del pasado de la Academia, sería un factor poderoso en toda nuestra vida artística, un participante activo en la construcción socialista, un arma poderosa en la lucha por construir una sociedad sin clases.
En primer lugar, hubo que librar una feroz lucha para mejorar la calidad de los «bienes manufacturados», porque el defecto de fabricación superaba todos los estándares. Los artistas que abandonaron la Academia eran semiinstruidos y analfabetos profesionales.
En la Unión Soviética, la entrega de productos inutilizables se considera un delito con razón: un mal gerente comercial, en cuya empresa personas torpes estropean equipos valiosos, es llevado ante la justicia.
Una gran responsabilidad recae en nosotros, los encargados de procesar y pulir quizás el material más costoso: el talento humano.
El partido y el gobierno nos han confiado el campo más importante de la educación artística. La Academia está destinada a convertirse en la mayor institución cultural, el centro artístico y educativo de todo el país.
En ese momento, las perversiones izquierdistas y hostiles que estaban socavando y destruyendo la Academia culminaron en la famosa epopeya de [Fedor] Maslov [quien había manejado la institución después de que los izquierdistas lograron expulsar al líder anterior, Eduard Essen, miembro del Partido Bolchevique desde 1898].
Desde el callejón sin salida de la creatividad débil y sin ideales, desde el pantano formalista, la Academia se embarca con dificultad en el camino del estudio fructífero y serio. Todo el personal de la Academia ha puesto mucho trabajo y esfuerzo para revivir un negocio nuevo y vivo sobre las ruinas del anterior.
Al frente de la Academia, desde los primeros pasos de mi actividad, procuré ser el conductor de la política del Partido en el campo de la educación superior.
El país necesita especialistas altamente calificados, artistas que dominen la técnica de su arte. Hemos logrado obtener una fuerte elevación en la disciplina académica y fortalecer el cuerpo docente con las mejores fuerzas artísticas.
A partir de investigaciones permanentes e infructuosas y de pasajes de un sistema a otro, hemos vuelto a llevar a la Academia al camino del trabajo serio, orientando a los alumnos, sobre todo, hacia el estudio correcto, riguroso y metódico de la naturaleza.
Los resultados positivos de este cambio ya se han visto en nuestra primera exposición anual aprobada por la comunidad.
Creo que la lucha contra el formalismo, que aún no está totalmente erradicado entre nosotros, la lucha que hemos librado incansablemente, y que seguiremos librando aún más activa y obstinadamente, ha determinado en gran medida nuestras victorias y logros como escuela de arte realista…
El año en curso ha sido otro paso importante en el desarrollo de la Academia; se puede considerar que completa solo la primera etapa en la creación de una nueva escuela.
La prueba de nuestro éxito es el «Informe de exposición del trabajo de los estudiantes», que muestra que los estudiantes de nuestras universidades y clases preparatorias, en su mayoría, finalmente se han dado cuenta de que sin una actitud seria hacia los negocios, sin amor por el tema representado y sin trabajo arduo y significativo, es imposible alcanzar esos gozosos resultados que se ven en muchas de las obras presentadas en la exposición y justamente señaladas con elogios.
Durante su estancia en una escuela de sonido, los jóvenes artistas han adquirido la capacidad de hacer frente a tareas pictóricas, de dibujo y de forma serias, y es de esperar que, sujetas a un trabajo continuo y minucioso, esta habilidad pueda transformarse en una gran habilidad que les permitirá crear obras reales y vivas que reflejen nuestra maravillosa realidad.
Si medimos los éxitos que hemos logrado por las exigencias del momento pasado, entonces, por supuesto, tenemos derecho a decir que hemos logrado mucho. Pero a la luz de las nuevas tareas hemos hecho poco, muy poco, no hemos concretado mucho y, por supuesto, hubiéramos hecho mucho más si hubiéramos podido siempre, de verdad, hasta el final movilizar nuestras fuerzas y nuestras más ricas oportunidades. .
Nunca podemos dormirnos en los laureles. Es demasiado pronto para dormirnos en los laureles. Debemos evaluar críticamente cada uno de nuestros movimientos, todo nuestro trabajo, y no tener miedo a las críticas más duras, revelando honestamente todas nuestras deficiencias. Esto es lo que nos enseña el Partido Bolchevique.
Del movimiento stajanovista debemos sacar conclusiones prácticas sobre una mejora fundamental en todo nuestro trabajo. Las personas que dominan la técnica nos llaman, artistas, a gozosas victorias creativas. Podemos y debemos trabajar como Stakhanov, trabajar como los mejores de la clase obrera.
La Academia de las Artes debe producir tales maestros de la pintura que puedan crear obras que capturen vívidamente para la posteridad la lucha por el socialismo, todo el patetismo de esa lucha, todo el heroísmo de nuestros días maravillosos: la era majestuosa de Lenin y Stalin, la era de construir una sociedad socialista sin clases.
Ser agitador, propagandista, ayudante del Partido en sus grandes acciones es un papel enorme y honroso para los artistas de la patria socialista.
Pero si los artistas no dominan la técnica, si no tienen habilidad, ¿cómo le contarán a su gente sobre una vida feliz y alegre, sobre gente maravillosa, sobre nuevas construcciones, sobre el Ejército Rojo, sobre niños, los más felices del mundo? ?
La Academia de las Artes debe equipar a estos artistas, a estos jóvenes con conocimientos y habilidades. La cultura del socialismo exige del arte la más alta tecnología y la más alta calidad ideológica y artística.
Este arte debe ser perfecto en la forma e ideológicamente rico. Sin embargo, nuestro lenguaje artístico está aún lejos de la verdadera sencillez, claridad y perfección formal. Y si nuestro trabajo está imbuido de los temas de la revolución, ¿significa esto que nuestro arte, que aún no está suficientemente equipado técnicamente, es ya un arma ideológica por derecho propio?
“Necesitamos una voz, fuerte como una trompeta, que proclame que sin ideas no hay arte, pero al mismo tiempo, más aún, sin pintura viva y llamativa (es decir, saber hacer) no hay cuadros, pero hay buenas intenciones y nada más” – escribió IN Kramskoy VV Stasov.
Y otro pensamiento:
“La técnica es sólo un medio, pero un artista que descuida este medio nunca resolverá su problema, es decir, no transmitirá ni sentimiento ni pensamiento, será como un jinete que se ha olvidado de dar avena a su caballo. »
Esta afirmación pertenece a otro artista-pensador, el más grande escultor del siglo XIX, RODIN.
Todo tipo de giros estilísticos y trucos desnudos y sin principios, aunque en una forma diferente a la anterior, continúan ensuciando nuestro arte.
El órgano central Pravda condenó enérgicamente el artificio izquierdista, el formalismo estético y la decadente “innovación” pequeñoburguesa en la música.
“El peligro de tal dirección, escribe Pravda, es claro para la música soviética. La fealdad de la izquierda en la ópera proviene de la misma fuente que la fealdad de la izquierda en la pintura, la poesía, la pedagogía, la ciencia. La “innovación” pequeñoburguesa conduce a una separación del arte auténtico, la ciencia auténtica, la literatura auténtica. »
Podemos y debemos sacar las conclusiones más serias de esto. Porque si bien los formalistas han sido expulsados en gran parte de la Academia de las Artes, la penetración de influencias dañinas en la escuela aún no ha sido eliminada. Los lienzos formalistas representan un peligro ideológico. Distorsionan las emociones del espectador y lo alejan de las tareas reales de la educación comunista de los trabajadores.
Los formalistas ignoran la realidad objetiva y dan una visión incorrecta y distorsionada del mundo real externo. Lienzos oscuros y deprimentes, en los que se representan una especie de monstruos en lugar de personas vivas, y una especie de cementerio destruido en lugar de un paisaje: estas obras son objetivamente una calumnia contra la clase trabajadora y la realidad soviética.
Los artistas que ven el mundo a través de los lentes del formalismo estético perciben a una persona viva, todo el mundo real de las cosas y los fenómenos, solo como una razón para resolver problemas de textura, como una superficie coloreada, como un juego de manchas y una combinación de volúmenes.
Este arte está ideológicamente castrado, no es difícil ver en él una asimilación acrítica de las escuelas europeas occidentales del período decadente de la cultura capitalista.
En nuestro trabajo, siempre tenemos que recordar quién, qué tipo de artistas tenemos que preparar.
No artistas-estetas, de tipo burgués, cuya obra servirá a un puñado de mecenas, no, estamos formando maestros del arte socialista, cuya resonancia creativa abrazará a un público de millones de trabajadores.
Aquellos que se propongan disfrutar de adornos formalistas serán descartados como personas inútiles que interfieren con el trabajo. El Komsomol y nuestro Partido ya se han comprometido a limpiar la literatura infantil, los libros infantiles, de la suciedad que se les ha adherido, de esta costra que se ha multiplicado como la producción de toda una escuela que nos es ajena.
Así lo señaló el camarada Andreev, secretario del Comité Central del Partido, en una reunión sobre literatura infantil:
“Algunos artistas, ‘izquierdistas’, incluso consideran este tipo de embadurnamiento como un paso adelante en lugar de dar a los niños dibujos e imágenes reales para desarrollar el talento y el gusto artístico en un niño desde una edad temprana. »
Y luego el camarada Andreev dice:
“Toda esta difamación, que no da una idea real de la realidad, y todas las perversiones en este campo deben ser expulsadas sin piedad de la literatura infantil. Deje que tales artistas dibujen sus dibujos por sí mismos, para su propio placer, pero no permitiremos que nuestro hijo presente este embadurnamiento. »
Preguntémonos claramente, camaradas, la pregunta, ¿no hay en la Academia unos bastardos de todo tipo que se consideran maestros consumados, y por lo tanto no hacen nada por dominar la técnica de su difícil destreza? Algunos de estos bastardos han puesto en marcha una producción en masa de bocetos, en su opinión muy pintorescos, y están tratando de hacer pasar este truco como el método de trabajo de Stakhanov.
Muchos de esta categoría de jóvenes artistas creen que el color es el alfa y el omega del arte. Intentan recuperar algo de astucia, haciendo una especie de entrechat con un pincel, para escapar del minucioso estudio de la forma.
Estas personas son flexibles, mucho más hábiles que los naturalistas lentos. A diferencia de ellos, estas personas no tienen mucho talento. Veo su acercamiento estúpido e irreflexivo a la naturaleza, su trabajo es aburrido, no piensan en nada.
Pero hay que decir directamente que construir sus obras sobre un solo color, sin forma, es un camino fácil, y para todos aquellos que tienen poca habilidad, es ampliamente accesible. Aquí creen que hay una receta, que se puede asimilar de una vez.
Estos jóvenes, por supuesto, se abruman fácilmente, porque sin conocimientos técnicos, forma y dibujo estricto, uno no puede dominar las alturas del arte en un solo color.
Pero los artistas, armados con esta técnica, con todas las habilidades del oficio, podrán crear obras de gran concepción ideológica; su trabajo será comprensible y duradero, porque la forma llena de contenido profundo sobrevivirá al color.
Estos artistas, si su pensamiento no está atrasado en el siglo, podrán ser los portavoces de las ideas comunistas, podrán expresar la época en su obra.
Es por eso que en todo nuestro trabajo enfatizamos el dominio de las posibilidades técnicas, el dominio de todos los elementos de la técnica pictórica, la cultura, la alfabetización, sin desgarrarlos mecánicamente entre sí.
Vale la pena recordar aquí las sabias palabras de un antiguo maestro.
… “Sabemos que el dibujo es la base sobre la que se asientan las artes: pintura, escultura, arquitectura y otras. A partir de entonces, todos los grandes maestros, maestros, predicaron la necesidad y los beneficios del dibujo «…
… “La caída del arte hace que la pintura: el dibujo – el ascenso” …
… “Hay que buscar durante mucho tiempo las pinturas que componen el objeto, y una vez encontradas, escribir, no recubrir, sino dibujar y esculpir. »
… “Deshazte de la bofetada actual y hazlo. »
Estas declaraciones pertenecen a Pavel Petrovich CHISTYAKOV, un artista-maestro, a quien deben su desarrollo tres generaciones de artistas rusos. Y entre sus alumnos nos encontraremos con grandes nombres como REPINE, VRUBEL, SURIKOV, SEROV y muchos otros.
Como puede ver, el sistema pedagógico de Chistyakov, a pesar de la rutina académica y la burocracia que asfixiaba a este maestro, todavía dio resultados brillantes.
Y un poco antes, antes de Chistyakov, en su apogeo, la Academia produjo grandes maestros. Dibujantes como Yegorov, Shebuev, Bryullov, Brunni y otros sorprendieron a muchos artistas occidentales con su talento.
No llamamos a la asimilación ciega de los métodos de la vieja Academia: su imitación y su copia como sistema no nos son aceptables. Pero gran parte de su experiencia debe ser revisada y todo lo mejor utilizado críticamente en nuestro trabajo.
Orientando a los jóvenes artistas hacia la naturaleza, no podíamos descuidar la composición en nuestro trabajo. Por el contrario, destacamos en todos los sentidos la importancia de esta disciplina como una de las principales, ya que es claro que es la composición el núcleo semántico de la imagen, el medio de expresión del concepto ideológico y temático de la imagen. el artista.
En general, debo decir que la puesta en escena de la composición todavía adolece de deficiencias con nosotros. Mientras tanto, en última instancia, es la composición la que decide el éxito o el fracaso general de la imagen como obra ideológica.
El curso académico actual nos ha convencido de que hemos alcanzado grandes logros en dibujo, composición y pintura. Pero el hecho de que estemos avanzando no debe despertar en nosotros una inmensa alegría.
Nuestro progreso es visible en casi todos los talleres, pero nuestras deficiencias son demasiado evidentes, a veces muy significativas, para ignorarlas. A partir de aquí, no debe entrar en pánico, pero debe estudiar cuidadosamente estas deficiencias y corregirlas en la práctica.
No pasaré ahora a reseñar toda la exposición, creyendo que sería más útil detenerme sólo en los principales talleres individuales, ya que las tendencias de su desarrollo determinan nuestro rostro global como escuelas.
Recientemente, en la asamblea plenaria del ayuntamiento de Leningrado, conocí al diputado. actividad artística del artista honrado por sus actividades [Kuzma] Petrov-Vodkin.
Me alegró mucho saber de él que le gusta mucho nuestra exposición y que este año, en su opinión, hemos hecho grandes progresos.
Pienso, camaradas, que en un año podemos dar un paso más, podemos avanzar aunque sea un paso más arriba, pero esto solo sucederá si todos trabajamos de una manera nueva, y si identificamos y corregimos nuestras deficiencias, si los métodos de nuestro trabajo será verdaderamente convincente, y su esencia será verdaderamente estajanovista.
Voy a empezar con la Escuela de Jóvenes Talentos. Sólo diré unas pocas palabras sobre él, porque estoy bastante satisfecho con los resultados de su trabajo, y creo que aquí no tendremos desacuerdos.
A todos nos puede sorprender el enorme poder infantil de observación y estas nuevas formas de expresión que transmiten temas políticos muy complejos.
Podemos decir con seguridad que estos jóvenes ya son artistas soviéticos. La revolución, por así decirlo, ha entrado en su carne y sangre y llena orgánicamente su creatividad.
Estoy feliz de que la escuela trabaje arduamente para desarrollar jóvenes talentos y preservar cuidadosamente la brillante individualidad de cada uno de ellos.
Si pasamos ahora a una revisión del trabajo de nuestro instituto, entonces este trasfondo alegre, los logros de la Escuela de Jóvenes Talentos, serán muy desfavorables para los talleres individuales, en particular, por ejemplo, el taller del profesor [Alexander] SAVINOV , sobre el que volveré con más detalle.
Una especie de desorden general, totalmente incomprensible para mí, reina en este taller.
Recuerdo las primeras obras de SAVINOV, este pintor culto y talentoso, en su juventud fue un artista muy importante y alegre. Sus bocetos siempre se han distinguido por su brillantez y brillantez, especialmente su pintura de concurso y sus obras italianas. Lo mismo puede decirse del magnífico retrato de su esposa, ubicado en la Galería Tretyakov.
Y ahora, extrañamente, los estudiantes de SAVINOV escriben en negro, oscuro, ¿por qué es así?
No entiendo por qué en los años de reacción, el mismo SAVINOV pintó lienzos brillantes y alegres, y en los años en que la vida se volvió más feliz y alegre, sus alumnos escriben con tristeza y el maestro probablemente lo alienta, a juzgar por las altas calificaciones que tiene. se les ha dado en serie, en mi opinión obras negativas.
Debemos expulsar esta oscuridad y esta mazorca sin forma del estudio de Savinov.
Obras de estudiantes sin duda talentosos como The Model of Debler y Kalashnikov, obras de Andriyako, The Old Man y Landscapes of Fotieva, bocetos de Lysov son ejemplos de esta mazorca sucia sin escrúpulos.
Coloración oscura, una especie de patología y al mismo tiempo una completa falta de forma. La sensación es que estas personas trabajan sin naturaleza, no conocen los detalles de la forma y los «lubrican» deliberadamente. La combinación de colores no tiene nada que ver con la naturaleza, esta combinación no está justificada de ninguna manera.
Una pintura puede ser reemplazada por otra y no cambiaría mucho. Esto no es realismo, sino una falsificación del realismo. Tonterías dañinas e innecesarias.
Cuando un artista, queriendo hacerlo “hermoso” – (RODIN lo pone entre comillas), pinta la primavera más verde, el amanecer más rosado, los labios jóvenes más escarlata, crea una desgracia, porque está mintiendo.
¿De dónde viene este pesimismo? ¿De dónde vienen estos colores? No puedo creer que estas obras hayan sido realizadas por jóvenes nacidos en el país soviético.
Lo mismo es cierto para los bocetos. Castración ideológica completa.
La apuesta por la impresión directa, la llamada orientación sobre los últimos logros del arte occidental, y toda esta pretensión, es increíblemente complicada por el expresionismo, la psicología dolorosa, las tramas trágicas, cuya selección se da en la cantidad dominante.
Lutos, funerales, palizas: todo es simplemente deprimente. Esta tendencia es muy peligrosa, de la cual no es difícil deslizarse en una imagen distorsionada de la realidad soviética.
Tomemos, por ejemplo, el boceto de Lysov: ¿Qué es? La escena «tras la salida de los blancos», ¿o es una morgue? Cementerio ? Un vivo lo da un muerto, en una palabra, no una persona, sino una naturaleza muerta, una naturaleza muerta. El mismo Lysov tiene sus muertos vivientes, mucho más fuertes que un boceto.
No entiendo por qué es una castración de la vida.
¿Por qué los objetos están privados de sus cualidades básicas, por qué esta máxima convención en el color, por qué los lienzos de este taller están tan ennegrecidos, por qué esta escala de marrón oscuro y por qué los colores claros son tan raros? ¿Y por qué tratan de llamarlo el estudio de la herencia clásica – REMBRANDT, etc.?
Creo que se deben tomar medidas preventivas drásticas. El profesor SAVINOV es un profesor sensible experimentado, no creo que todo esto haya sido un principio estable en su labor pedagógica.
¿No es hora, de inmediato, de salir de este sistema loco y de todo este occidentalismo podrido en nuestro país?
El florecimiento de nuestra cultura socialista, el vigor social, la energía, el surgimiento de una clase victoriosa no puede revelarse en las formas de perversión capitalista. Cómo no cuadra todo este embadurnamiento con lo que están haciendo millones de trabajadores en nuestro país.
Qué patético, pobre, humillante y absolutamente indefenso se ve al lado de las grandes y poderosas formas de la realidad socialista.
Qué absurdos aparecen estos miserables colores a la luz deslumbrante de lo nuevo que ya aguarda a nuestro arte.
Los vastos espacios sin precedentes del Palacio de los Soviets, los luminosos salones de cientos de casas de la cultura, requieren formas monumentales poderosas, lienzos emocionantes sobre nuestra lucha, sobre la construcción, sobre las alegrías y las victorias, sobre la vida feliz.
Qué increíble contraste al lado de todo esto que parece un feo embadurnamiento, toda la creatividad ignorante de experimentadores equivocados.
Sería un error pasar por alto los aspectos positivos que están disponibles en el taller de Savinov. Encuentro el trabajo de Karenberg fresco, serio y técnicamente bien hecho.
Considero que las obras de Mochalsky son serias, merecen buenas calificaciones. No tienen esa mazorca por la que bajamos la calificación de Falika en dos.
He revisado rigurosamente el trabajo de todos los estudiantes y creo que la reducción de calificaciones debería servir como una buena medida de influencia y una lección para los demás.
De los estudiantes de segundo año que fueron con Savinov este año, considero necesario mencionar a Liberov, Ostrov y Kuzminov. Sería una pena que su talento realista se desvaneciera en el estudio de Savinov. Es de esperar que esto no suceda, y que Savinov pueda sacar a la luz verdaderos artistas por derecho propio.
Me gustaría decir algunas palabras sobre los graduados que estudian con Savinov. Desviarse de la naturaleza, la creatividad «de uno mismo» está plagada de grandes peligros para ellos. Se debe dar una seria advertencia a este respecto. Esto se aplica a Osolodkov, así como a Timoshenko y otros.
Sin embargo, con esto no quiero encubrir el peligro para otros compañeros de los graduados -como Pozdnyakov y Gorbov, que podrían deslizarse al otro extremo- la restauración de los peores aspectos del academicismo, el naturalismo estúpido, que mencioné anteriormente.
El taller Yakovlev. Básicamente, considero sus resultados positivos. Se está trabajando seriamente en la forma, en la finalización del tema, en esto, de lo contrario, el maestro no funcionará.
Creo que el personal que prepara Yakovlev siempre será necesario, y estas personas no se quedarán sin hacer nada. Serán capaces de realizar cualquier tarea y pueden ser maestros experimentados, restauradores, buenos copistas, etc. Estos artistas ya tienen una gran demanda.
Repito, son todas personas muy necesarias y es nuestro deber formar estos cuadros.
Pero tenemos derecho a exigir más del taller de Yakovlev. Los inconvenientes inherentes al método de este profesor retrasan mucho el desarrollo de su taller.
Observando en conjunto la calidad de la orientación profesional, la individualidad de este taller, hay que decir que a veces estos momentos atenúan, absorben las características creativas personales de cada alumno. Lo veo como un peligro que hay que combatir.
Es necesario deshacerse de cierto estereotipo general, convencionalismo, deliberación: están presentes en grandes dosis y deben eliminarse de la manera más decisiva posible.
La mayoría de las obras del estudio en conjunto son aburridas debido a su oscuridad, la monotonía de la paleta, no difieren en el brillo y la sofisticación del color, su gama de colores es la misma y estándar.
Este esquema condicional, que erradica la diversidad de los fenómenos de la vida, empobreciendo la riqueza de las impresiones coloridas de la realidad, no puede ser considerado positivamente por nosotros. Pero repito, Yakovlev tiene grandes ventajas: es un trabajo de forma.
Muchos de sus alumnos pueden ser llamados maestros en su oficio. Tales son Kopeikine, Shcherbakov, Perets y otros, pero algunos de ellos caen en el molde del que ya he hablado. Tales son las tendencias naturalistas de Shepelyuk: Yakovlev debe prestarles atención. Kopeikine tiene un enfoque más profundo, está en un camino más correcto.
El taller de Osmerkin. Aquí hay tareas pintorescas. Y cabe señalar que este lado de la cuestión se le da a muchos. Pero es una pena que, junto con esto, el diseño y la forma se queden atrás. Esto es precisamente lo que hace la fuerza del taller de Yakovlev, el punto débil de Osmerkine.
Pintoresco por supuesto, se hacen grandes sacrificios por él. Debido a esto, la mayoría tiene una especie de manera desaliñada, laxitud, falta de compostura, firmeza, volviendo a la primera impresión.
Mire más de cerca y vea que todo está fuera de lugar. No hay mano dibujada, hay piernas y la figura a menudo se cae.
Hay muchos jóvenes talentosos en el estudio de Osmerkin, se destaca Pavlovsky, pero a menudo se derrumba en los detalles de la forma. Personas capaces Kudryavtsev, Zaitsev. Las obras de este último, bellas en color, son muy cojas en dibujo. Si este estudiante ahora se vuelca a la forma, al dibujo, esto sin duda impulsará mucho su crecimiento. Estas observaciones deben ser tenidas en cuenta por el profesor Naumov, quien se considera que supervisa el dibujo allí.
Kalugin tiene un buen carácter chino, pero si miras de cerca, la cabeza y la mano no están hechas, no hay ninguna persona, hay una naturaleza muerta. El juego de colores absorbía la imagen viva.
Lo pintoresco como tal, sin relación, sin coordinación con la forma, no puede ser aprobado por nosotros. La pintura autoprensante es toda una visión del mundo. Y como lo pintoresco, además de una forma que traduce con fidelidad y realismo el mundo objetivo, adquiere un valor en sí mismo, se convierte en principio, se corre aquí sin duda el peligro de caer en el formalismo.
Junto al buen aspecto de Osmerkine a, vemos el deambular, la incertidumbre, la búsqueda de un nuevo Cézanne, pero en mi opinión, en las obras que se nos muestran, ni siquiera sentimos a Cézanne.
En el estudio de Shilingovsky veo pasos firmes hacia el dominio de la técnica de la pintura y el dibujo. Lo mismo ocurre en el estudio de Lansere y Belkin, cuyo trabajo es innegablemente positivo.
Es posible que aún no se haya alcanzado la madurez en estos talleres, sus características individuales aún no se han revelado completamente, pero la actitud general que han adoptado es correcta.
No debo ignorar mi taller. En comparación con otros, no lo considero en último lugar. Conozco sus defectos y sus cualidades. Sin embargo, el progreso que he hecho está lejos de ser satisfactorio.
Me alegró mucho saber de Petrov-Vodkine que le gustaba especialmente mi taller. Él considera que la línea que he tomado es correcta y dice que esa es la forma de enseñar.
La opinión de Petrov-Vodkin es especialmente valiosa para mí, porque es un maestro con mucha experiencia y autoridad que trabajó durante muchos años en la Academia de las Artes.
A diferencia de él, todavía soy un maestro muy joven, pero tengo mucha experiencia artística, también pasé por una escuela seria y, tal vez, todavía a menudo actúo por instinto, pero trato de transmitir visualmente las habilidades y la técnica. Tengo a mis alumnos. Muestro más a menudo de lo que digo, pero ¿es realmente tan malo?
Desafortunadamente, mi gran carga de trabajo me impide dedicar mucho tiempo al taller. No tengo la capacidad de prestar suficiente atención a cada estudiante y trabajar de cerca con ellos individualmente. Esto, por supuesto, es una desventaja. Tampoco tengo tiempo para visitar museos con estudiantes.
Creo que la composición de los estudiantes en mi taller es buena. Veo cómo crecen Laktionov, Yar-Kravchenko, Goldrey, Schneider, Bokov, Maslov, Belousov, Alekhine. Este último dio buenas cosas pintorescas de verano. El punto débil de la mayoría sigue siendo siempre la composición. Para algunos el dibujo no se mueve bien, también es un punto débil.
Sin duda, en nuestro taller, algunos alumnos, como «Modelo» (acuarela) de Neprintsev o «Modelo en jarrón» de Chudnovtsev, tienen el peligro de la pasividad naturalista, del que deben deshacerse lo antes posible.
Los éxitos de todo el taller habrían sido más significativos si los estudiantes se hubieran realizado como verdaderos estajanovistas, si hubieran trabajado con la misma intensidad y perseverancia que caracterizan a los trabajadores de producción. Pero no lo veo todavía.
Bueno, las vacaciones casi han terminado. Vinieron estudiantes de vacaciones, – te pregunto qué hiciste, muéstralo. Respuesta: Descansamos. Resulta que no hicieron nada. Nadie trajo bocetos. En mi opinión, descansar sin hacer nada es unas vacaciones inútiles. Cuando estudiábamos, tratábamos de llenar cada minuto libre con trabajo creativo. Durante las vacaciones, trabajamos más duro que de costumbre.
Veo muchas deficiencias inherentes en el departamento de pintura en el método de enseñanza de la escultura. Al considerar los bocetos de la Facultad de Escultura, se llama la atención sobre tales deficiencias, que deben mencionarse en voz alta, ya que retrasan el crecimiento de nuestra escuela, lo que significa que impiden el desarrollo del arte soviético en un campo tan vasto e importante como la escultura. .
¿Cuál es la diferencia entre los estudios expuestos? En primer lugar, una especie de incertidumbre de producción.
Veo una actitud superficial, una especie de actitud frívola hacia la forma. La distorsión de las proporciones es la regla. Aproximación, desenfoque de formas y una especie de desprecio fundamental por el estudio en profundidad de los detalles.
De ahí el engaño deliberado de la naturaleza. Todo de una manera. Todos como uno, sin individualidad. Las técnicas estampadas mandan, si por ejemplo se hacen dedos, entonces se cortan como fideos: uno a uno, uno exactamente igual al otro.
Tratamiento superficial, textura, a veces voluntariamente absurdo. Si el cuerpo está entonces necesariamente picado por la viruela o por todos los tubérculos, la cara, como la de una persona gravemente enferma, es una especie de eccema continuo.
¿De dónde viene este gusto, este letargo de las formas, esta vaguedad de las proporciones? Veo las razones de todos estos males en la falta de los sólidos conocimientos de anatomía plástica que todo escultor necesita y la capacidad de aplicarlos en su obra. De ahí la incomprensión de la mecánica, la puesta en escena y el movimiento, la uniformidad indefinida y la suavidad de la forma; por eso, en lugar de personas, obtienes una especie de sacos de papas.
También hay una ignorancia completa de la estructura de los detalles elementales, un estudio deficiente de las extremidades del cuerpo, la cabeza y las partes de la cara: la oreja, la nariz, la boca, etc., que es tan importante para más adelante. trabajo, especialmente para un retrato.
Tomemos ahora el trabajo de composición de los alumnos. Veremos allí la ausencia de cualquier plan en las tareas. Es la fuente de búsquedas casuales de entretenimiento externo y formal con total desprecio por el contenido.
No solo la incapacidad de decir nada, sino también la negativa a pensar seriamente en ello. Todo esto lo encontraremos en mayor o menor medida en varios estudios y croquis expuestos.
Trate de comparar el estudio «Boy» de Pekunov y el estudio de Kozlovsky, son lo mismo, es difícil distinguirlos entre sí.
Lo mismo ocurre con las obras de Koltsov y Kuchkina. Mientras tanto, Pekunov, por ejemplo, puede trabajar mejor, está convencido de ello, ha creado, en granito negro, «Cabeza».
Las obras de Denisov, Sonkin, Kolobov no pueden llamarse de otra manera que no sean aficionados; incluso es difícil decir si estas personas son capaces. Todo es aproximado, inexacto y sin sentido. No hay expresión ni en el rostro ni en la figura. Simplemente no hay nada en lo que detenerse, nada que se destaque entre la multitud.
Dans l’atelier de sculpture, tout est dominé par la formule conditionnelle de construction d’une figure humaine, formule trouvée par le professeur Matveev dans sa pratique, mais le canon développé du maître, me semble-t-il, écrase, dépersonnalise les alumnos.
Todo lo que hemos visto mostrado por ellos en la exposición así lo confirma. ¿Es necesario? ¿No es peligroso tratar a todos con el mismo cepillo en este caso? Esto debería ser pensado, y sobre todo por la dirección de la Facultad de Escultura.
Considero a Matveev un maestro muy importante e interesante, pero la copia externa mecánica de sus técnicas creativas difícilmente puede considerarse útil.
Puede que esté dando evaluaciones muy duras aquí, pero creo que estas evaluaciones son correctas.
Lo que en la música de las páginas de Pravda se llama confusión, lo que en la pintura, en un libro para niños se llama embadurnamiento de Andreev: los mismos giros similares existen en la escultura, también deben combatirse no menos activamente, porque la esencia de estos fenómenos es la mismo.
Las cuestiones del dominio técnico, la lucha por métodos de enseñanza perfectos: estas tareas no son menos agudas para la Facultad de Arquitectura. La técnica de diseño, así como la técnica de construcción, debe dominarse hasta el final.
Señalaré solo las principales deficiencias en la formación del personal de arquitectura de la Academia de las Artes. Considero que la primera de las principales carencias es la formación integral de los jóvenes en relación con el desarrollo consciente y crítico del patrimonio arquitectónico de los siglos pasados.
Como resultado, los jóvenes arquitectos sienten que se les ofrece copiar, o en el mejor de los casos imitar, modelos tan antiguos que, por supuesto, no pueden corresponder ni a nuestra visión política del mundo ni al socialismo de alto alcance de la construcción soviética. .
De ahí la incomprensión de los modelos clásicos y su instintiva repulsión hacia los peores ejemplos “modernos” de la arquitectura europea occidental.
El segundo inconveniente, creo, es la generalización, no sin la influencia del profesor Tyrsa, del fenómeno de sustituir el estudio estricto de la forma por bocetos, la pasión por el lado puramente visual en detrimento del estudio de los principios básicos de la arquitectura. Arte.
A pesar de que en el campo del estudio de la arquitectura, el requisito dominante debe ser un análisis cuidadoso y completo del volumen y la forma, ya que este es el principio organizador de cualquier estructura arquitectónica, sin el cual es impensable una arquitectura completa, se inculca a los estudiantes con un manierismo muy dudoso en la búsqueda de manchas «pintorescas» o simplemente toscamente pintadas que oscurecen la esencia de las formas arquitectónicas y distraen al estudiante de su tarea principal.
Los «paisajes» coloridos reemplazan un estudio claro y preciso de las formas en la naturaleza.
La ausencia de un patrón arquitectónico claro es muy notable.
Difícilmente uno puede estar satisfecho con la llamada «pintura arquitectónica», que prevalece en la exposición en lugar del dibujo.
Pensé que la influencia de tan buenos diseñadores como Pavlov y Rudakov sería beneficiosa, pero no se siente. Quizás porque ellos mismos están bajo la influencia de Tyrsa, lo que claramente los confunde en cuestiones de forma muy importantes.
Debemos deshacernos de esta laxitud que ahora sujeta firmemente al alumno y lo acompaña hasta el final de la escuela.
Ante todos nosotros, hablo de la cátedra, hay una pregunta sobre nuestro crecimiento creativo como docentes, sobre la revisión y fortalecimiento de nuestros métodos, sobre el dominio de la experiencia de los mejores artistas-educadores.
Es necesario -es una de nuestras tareas inmediatas- realizar el combate por la elevación de la autoridad del maestro. Pero esta autoridad no puede ser creada por el orden, debe ser conquistada, y esto solo puede hacerse por el trabajo.
Los maestros deben ser nuestros mejores artistas.
Sería muy útil que los alumnos pudieran ver cómo trabaja el propio profesor. Podríamos saludar a este profesor que, después de haber descartado todo tipo de «circunstancias accesorias», tomó un pincel en la mano y se puso a trabajar sin temer las conversaciones de sus compañeros y alumnos.
En las nuevas condiciones, el papel del profesor, como maestro, como formador de nuevos cuadros, debe crecer desmesuradamente. Es decir, el profesor debe asesorar de forma real y directa a los alumnos. Está obligado a encontrar las cualidades internas de cada estudiante y, habiendo determinado su fuerza, promover el desarrollo de la iniciativa creativa y la independencia.
Será muy malo si la influencia del maestro obliga al alumno a mirar el mundo a través de los ojos de otro, es decir, suprime su individualidad, sin la cual no puede haber creatividad viva.
Artistas de diversas actitudes creativas trabajan como profesores en la Academia. Estoy firmemente convencido de que solo puede haber una dirección en la escuela, y esa es la dirección del realismo socialista. De lo contrario, no tendremos una plataforma en principio.
Un equipo de profesores debe estar unido por la unidad de tareas y objetivos, pero los medios, es decir las técnicas metodológicas, los métodos de enseñanza, pueden ser relativamente independientes para cada uno. Por el contrario, puede haber diferentes matices de un método, diferencias asociadas a la individualidad del artista-maestro.
Si logramos lograr tal unidad, entonces será posible una discusión colectiva, porque todos hablarán el mismo idioma, se entenderán entre sí, y entonces será posible desarrollar un criterio para una evaluación única, un enfoque único para el trabajo de los alumnos, que aún no tenemos.
Esta situación no es nada normal. Es inaceptable que en un taller un boceto se califique con cinco y que un boceto de la misma calidad en otro taller se califique con tres o incluso menos. Este tipo de “evaluación” solo confunde al estudiante y dificulta su normal desarrollo en la escuela.
Todo esto se debe a que aún no nos hemos librado de la discordia en los métodos y la falta de escrúpulos que reinan en ciertos campos de nuestro trabajo. Muchos de nuestros maestros deberían pensar en eso.
Los gustos personales no pueden ser un principio, deben basarse en requisitos establecidos, legítimos y claros, basados en conocimientos exactos, en experiencias prácticas, y no sólo en sentimientos.
Sin verdades pedagógicas sólidas, no podremos educar maestros del arte con principios.
Considero que la evaluación del trabajo (5, 4, 3 o 2) para todos los talleres, independientemente de los métodos por los que se guíe tal o cual docente, debe significar el mismo nivel: primero, superdotación, segundo, lectoescritura, y tercero , rendimiento académico, es decir, atención y diligencia en el trabajo.
La guía del maestro también debe consistir en ayudar al alumno a ver sus lados buenos y enseñarle cómo usar esas ventajas.
Desarrolla en él un sentido de la proporción. Sin ella, no puede haber artista.
Repin dijo: “El talento es la capacidad de detenerse en el momento adecuado”. Creo que esa capacidad, ese sentido de madurez de una cosa viene con la experiencia, con el desarrollo de la maestría, pero en un momento en que el artista todavía está aprendiendo, cuando es joven, el «cuándo parar», es decir. cuando debe terminar la cosa, el maestro debe ayudarlo.
Debemos esforzarnos por crear un entorno en la Academia que ayude al joven artista a encontrarse a sí mismo, a su posición creativa, para que después de graduarse de la Academia pueda luchar con éxito para dominar el método del realismo socialista.
La vida bien vista y entendida, retratada en toda su verdad, es el verdadero camino hacia el realismo socialista. De ahí la gran importancia de trabajar la capacidad de reproducir la realidad de la naturaleza, las cosas y el hombre, como objeto principal de nuestra actividad artística.
“Que el escritor aprenda de la vida. Si refleja la verdad de la vida en una forma altamente artística, ciertamente llegará al marxismo”. Estas maravillosas palabras del gran Stalin, dichas por él en conversación con escritores soviéticos, deberían servir como una verdadera brújula en todo nuestro trabajo.
No me detendré en todos los problemas del realismo socialista. Está absolutamente claro que una representación veraz de la realidad requiere que el artista muestre lo típico, lo más característico de lo que vio, lo que determina las tendencias del desarrollo social y el significado de clase del fenómeno representado.
Ya en el trabajo del estudiante sobre la naturaleza, se debe prestar atención a la identificación de lo típico. Deje que el estudiante, al representar el modelo, se concentre no solo en la forma, sino que se esfuerce por transmitir el carácter, expresar su actitud hacia una persona, hacia una naturaleza viva o muerta.
Desafortunadamente, debo decir que el tipo de muchos de nuestros modelos es el más inadecuado. Mirando un rostro anodino, no siempre moderado, una niñera, es muy difícil crear un personaje soviético, que es típico para nosotros.
Prometo que en un futuro próximo pondremos fin a estas anomalías.
Lo mismo es cierto para el inventario. Nos queda dejar de lado una naturaleza desprovista de contenido, completamente desprovista de sentido. Esta miserable despensa que tenemos ahora es el legado de Maslov.
Si hablamos de la creación de personajes típicos en circunstancias típicas, entonces podemos decir que en algunos de nuestros alumnos, sujetos a influencias formalistas, vemos en su trabajo lo contrario: atípicos en circunstancias atípicas. Ya he hablado de los tonos oscuros y las tramas oscuras del taller de Savinov. Se pueden encontrar atípicos de un tipo diferente en otros.
Para muchos otros, trabajar el color, la superficie coloreada de la imagen, el volumen, etc. se da independientemente del contenido ideológico.
Si hablamos de la textura, algunos cuadros están tan sucios que hay que pisarlos con chanclos. Mientras tanto, los mejores maestros del arte siempre han prestado gran atención al tratamiento cuidadoso de la capa de pintura, la cultura técnica de la pintura. Mire el trabajo de Serov, Levitan, así como muchos maestros antiguos.
Los estudiantes deben estudiar cuidadosamente todo el vasto patrimonio artístico del pasado, hasta copiar las obras maestras favoritas y cercanas a su corazón del arte mundial.
Las obras de muchos pintores de siglos pasados, con su habilidad, su integridad, su monumentalidad de forma, están a veces más en sintonía con nuestro tiempo que muchas pinturas de artistas contemporáneos.
Esto, por supuesto, no significa que uno deba seguir estudios acríticos en el Hermitage y otros museos. Es importante poner los logros de épocas pasadas al servicio de nuevas tareas.
La herencia cultural milenaria necesita ser reelaborada por nosotros para que podamos crear nuevas formas de expresar nuevos contenidos, nueva pintura, nuevos paisajes, nuevas naturalezas muertas, nuevos retratos.
Sobre la cuestión de la formación de un nuevo artista, un artista del país soviético, no podemos dejar de subrayar la enorme importancia de la estrecha y orgánica conexión del artista con nuestra realidad soviética, con la vida del país, con su gente. con su partido, con su heroico ejército y con todo este complejo de nuevos fenómenos cotidianos que genera nuestro sistema soviético.
Recordemos también que la nueva realidad da lugar a nuevas y nuevas emociones, nuevos sentimientos, nueva ética, nuevas actitudes de las personas entre sí: el artista debe ver crecer a esta nueva persona, porque es el tema principal de todas sus obras.
Seamos realistas, hemos hecho muy poco para permitir que nuestros estudiantes participen realmente en el tumultuoso proceso de construcción socialista. Sin embargo, ya hemos hecho un buen comienzo en este archivo. El próximo año podremos enviar más estudiantes en viajes de negocios. Tenemos posibilidades materiales mucho más amplias para esto que antes.
Pero si los resultados de estos viajes de negocios resultan ser los mismos que el año pasado, entonces, en mi opinión, no vale la pena cerrar el jardín. Para escribir una docena de bocetos de paisajes, no es absolutamente necesario ir a la granja colectiva.
No se puede hacer con menos éxito en cualquier área suburbana. Requiere mucho menos gasto, porque un viaje de negocios tan creativo costará tanto como un boleto de tren suburbano.
A los compañeros que fueron enviados al campo este verano les dimos todas las condiciones para que vieran la vida de los koljóses, conocieran a fondo el trabajo de los koljóses, profundizaran en todos los detalles de la nueva vida de los koljóses, pero Resultó que muchos apoyaron, el círculo de intereses públicos, mucho más estrecho – me refiero a los temas que se reflejan en las obras creativas de estos artistas.
Por el contrario, no había ningún tema en su trabajo. Lo mismo puede decirse de aquellos camaradas que fueron a trabajar a los campamentos militares. En los bocetos que trajeron, no vimos lo esencial: los propios soldados del Ejército Rojo, su equipo, sus estudios, su vida en el campo. Pero por otro lado, vimos una gran cantidad de ovejas en los bocetos y más paisajes, paisajes y paisajes.
Parecería que el trabajo de verano debería estar lleno de luz, aire y alegría. Pero la impresión es que estas obras también parecen haber sido hechas en un estudio, sin naturaleza, una completa broma.
Creo que aún queda mucho por hacer para elevar el nivel ideológico, político y educativo de los jóvenes artistas. De lo contrario, estos artistas no podrán crear obras dignas de nuestro tiempo.
El país soviético espera imágenes que reflejen el esfuerzo, la actividad y la lucha de los constructores del socialismo.
Los artistas deben crear lienzos que llamen a la batalla por nuevas victorias aún no vistas, que establezcan una nueva vida alegre y aplasten a los enemigos de la patria socialista con sus armas.
Nosotros, sus antiguos camaradas, debemos dar nuestra fuerza, nuestro conocimiento, nuestra experiencia, nuestra técnica, para ayudarlos a convertirse en tales artistas.
Debemos crear todas las condiciones en la Academia para que cada uno de ustedes no se detenga en su crecimiento, para que cada uno avance y fortalezca aún más sus habilidades.
En nuestro trabajo, repito, todavía hay muchas carencias, si hablamos de avances y comparamos con lo que ha pasado, hemos dado un paso adelante, pero estamos inmensamente atrasados con respecto a las exigencias de nuestro país y al ritmo de nuestras vidas. .
Usted y yo nos encontraremos muy atrás si no nos ponemos al día y nos ponemos a la par con los estajanovistas avanzados, con las fábricas que llenan más que su programa, con la gente viviendo una nueva vida, con el país todo encaminado hacia el socialismo. .
Por lo tanto, considero necesario y necesario hablar abierta y honestamente sobre nuestras deficiencias, ya que entiendo y exigiré el mismo enfoque comercial de todos los demás.
Hoy señalé una serie de cuestiones para no pelear con nadie y ofender a nadie. Sé, camaradas, que puede haber tales quejas. Pero no voy a ofender a nadie personalmente.
Cada uno de nosotros debe tomar en serio la corrección de nuestros errores.
Tal será la actitud soviética hacia la causa, en cuyo desarrollo todos estamos igualmente interesados.
Hagamos nuestra Academia ejemplar, autoritaria, cuya opinión y autoridad sean consideradas, para que sea digna del respeto de los millones de masas trabajadoras de la gran Unión Soviética.
Vosotros y yo estamos llamados a la notable y grandiosa obra de remodelar al hombre, de reforjar su conciencia a través del arte; los artistas somos “ingenieros de las almas humanas”.
Este honorable papel nos lo confía a nosotros, artistas y escritores, el brillante líder de toda la humanidad trabajadora: el gran y amado camarada Stalin.
Justifiquemos esta gran confianza en la acción.
VIVELEMAOISME
